Os melhores filmes do ano e algumas considerações finais sobre o ciclo que está para se encerrar.
Por Pedro Strazza.
Se 2017 foi o ano das tensões, com verdadeiros choques acontecendo em todos os campos do pensar e seções do cotidiano, sem dúvida o cinema não se concebeu como exceção. A lógica do enfrentamento prevaleceu desde os primeiros meses do ano e manteve-se como força motora do debate no segundo semestre, nunca perdendo o passo enquanto todo tipo de conflito se instaurava envolvendo a sétima arte.
Foi um ano que começou com o Oscar empreendendo mil e uma reviravoltas até o ápice com a entrega equivocada do prêmio de Melhor Filme a La La Land - Cantando Estações ao invés de Moonlight - Sob a Luz do Luar e que terminou embalado na onda de denúncias de assediadores e estupradores em Hollywood, levando para o além as carreiras de homens antes poderosos na indústria do entretenimento estadunidense como Harvey Weinstein e Kevin Spacey. 2017 foi o ano também do questionamento da representação das minorias no cinema, com Vazante e Zama se tornando centro de uma briga explosiva no meio do Festival de Brasília e Detroit em Rebelião sendo duramente criticado pelos meios de comunicação americanos por sua representação do negro.
No Festival de Cannes, estourou a briga do streaming com o circuito exibidor, com o festival instituindo a regra de só filmes com garantia de exibição no circuito comercial francês poderem participar da competição pela Palma de Ouro. O site agremiador de notas Rotten Tomatoes, enquanto isso, se viu no centro de uma polêmica gigantesca envolvendo a sua classificação dos filmes como apenas ruins e ótimos, uma dicotomia que terminou 2017 sob julgamento severo conforme foram reveladas manobras de grupos conservadores para derrubar a nota do público do novo Star Wars apenas porque o filme ameaçava uma suposta ordem natural das coisas.
Nem mesmo a produção cinematográfica do ano escapou deste ar de confrontação, pois as já acaloradas discussões entre cinéfilos foram levadas à temperatura máxima com a estreia de Mãe! e uma divisão radical entre aqueles que odiavam e os que amavam o novo filme de Darren Aronofsky. E no fim do ano, quando tudo parecia se acalmar, o debate sobre a validade do retorno de Twin Peaks como elegível às listas de fim de ano elevou os ânimos das pessoas mais uma vez.
Chegou-se até a estourar um confronto físico em uma das sessões da 41° Mostra de São Paulo, com direito a presença da polícia na sala de cinema!
Foi um clima de caos genuíno que se instalou no terreno da sétima arte, um que não se via manifestar desta forma já há muito tempo. Sob este clima de tensões e polarizações, deste "ame ou odeie" perigoso, o debate nunca foi tão importante para manter em vista o posicionamento de seus arguidores, uma determinação de espaços que passa longe da questão do "você está do lado de lá ou de cá?" e que reafirma a nossa humanidade perante os problemas do mundo. Nós podemos errar, mas é preciso reconhecer a validade de nosso erros e resolver o como proceder à partir disso.
É necessário esclarecer todo este cenário antes de partirmos para mais um Melhores do Ano porque esta lista no fim das contas mostra ser regida inconscientemente a este estado instável do mundo e do cinema. Cada uma das escolhas que compõe os 25 melhores filmes de 2017 mostra ter sido impactada por este tremores do debate, refletindo uma ou duas ou várias (ou nenhuma, é possível) destas questões em seu cerne estrutural. Foi um ano cheio de reviravoltas e de mudanças de julgamento, passos que tornam surpreendente algumas das produções presentes na lista.
Antes de prosseguirmos, algumas observações:
- Mantendo o que foi estabelecido em 2015, a lista deste ano põe em destaque 25 produções de forma a abranger um número significativo de filmes que ao meu ver marcaram este 2017 que se vai;
- O critério adotado para definir se este ou aquele filme entrou na lista, porém, mudou: agora, além dos filmes que estrearam no circuito exibidor das salas de cinema brasileiras e que foram produzidos nos últimos cinco anos, passam a contar também as produções originais e de outros estúdios deste ano que a Netflix colocou em seu catálogo. É uma medida provisória para dar conta de incluir esses produtos cinematográficos na lista, pois o canal de streaming indubitavelmente se tornou também um distribuidor chave da produção cinematográfica do ano aos olhos do público, lançando filmes que poderiam muito bem ter passado nas telonas;
- Dito isso, os filmes do catálogo da Netflix incluídos no ranking são: "A Babá", "Bright", "Creep 2", "Death Note", "Five Came Back", "Jim and Andy: The Great Beyond – Featuring a Very Special, Contractually Obligated Mention of Tony Clifton", "Jogo Perigoso", "Os Meyerowitz - Família Não se Escolhe", "Nossas Noites", "Okja", "War Machine";
- Mantendo o legado de 2015 em perspectiva, há algumas boas notícias, ainda que pequenas. Depois de ocuparem dois espaços na lista do ano passado, o número de diretoras presentes no Melhores do Ano cresceu para três, indo para sete se considerar o top 50; no campo do protagonismo feminino, porém, o número diminuiu para dez.
Posto tudo isso, vamos à lista. MAS ANTES há de se fazer uma pequena (e ao mesmo tempo estratosférica) menção honrosa:
Hors-Concours: Twin Peaks - The Return, de David Lynch
O retorno de Twin Peaks em 2017 tem absolutamente todos os motivos para não estar no Melhores do Ano (ele não é um filme propriamente dito, foi desenvolvido para a TV e não foi exibido no circuito de exibição brasileiro ou produzido pela Netflix, só para citar alguns exemplos), mas ao mesmo tempo seria um crime não destacar de alguma maneira a enlouquecedora produção audiovisual de David Lynch. Depois de se "aposentar" do cinema em 2006 e lutar por mais de um ano com o Showtime para obter total controle criativo sobre o produto final, o diretor entregou junto do roteirista Mark Frost uma das obras audiovisuais mais cabulosas e revolucionárias da última década. Twin Peaks - The Return vai além do mero revival da série homônima do começo dos anos 90 e transcende até a significação de série ou filme; é uma obra-prima, que serve tanto como retrato surrealista da decadência estadunidense, uma extrapolação sensorial quase apocalíptica do sentimento pessimista que tomou de assalto o novo século e suas gerações e um avanço notável da linguagem cinematográfica e da percepção que se tem sobre a televisão. Independente da polêmica discussão que se deu sobre The Return ser uma série ou um filme neste fim de ano, um fato permanece incontestável: depois destes dezoito episódios, nada no meio audiovisual permanecerá o mesmo.
Posto isso, vamos aos Melhores do Ano:
25) Em Ritmo de Fuga
Em Ritmo de Fuga é o filme mais metódico da carreira de Edgar Wright até o momento. Se em seus outros (ótimos) trabalhos o diretor se entregava a um caos quase espetacular regido por suas referências e montagem extremamente dinâmica, aqui ele reduz o hiperdinamismo a uma velocidade mais adequada para fazer uma história de assalto pautada pelo ritmo, um musical nada ortodoxo onde o balé acontece com os carros nas diversas perseguições, conflitos e tiroteios do roteiro. É uma proposta até simples que em outros casos poderia dar em uma produção bem contida em suas pretensões, mas a maneira como Wright a executa pensando em suas referências culturais torna o filme pulsante em seus gestos e caprichos estéticos. É um banho de juventude sincero, que faz menção a longas de perseguição de carro do final dos anos 60 e Monstros S.A. com a mesma paixão e claramente se diverte com isso.
Paul W.S. Anderson já havia chegado a um glorioso ápice de sua carreira dentro da franquia Resident Evil com o quinto capítulo, onde ele desconstruiu seu cinema a seus valores essenciais e mais puros. Com este O Capítulo Final, que como bem indica o título serve por enquanto de fim à série, o cineasta buscou impulsionar sua metodologia a novos rumos, aliando-se ao montador Doobie White afim de alavancar sua estrutura labiríntica e de inspirações nos games para um status hiperdinamizado. Justapondo esta narrativa com o seu retorno à lógica de ação dentro do horror claustrofóbico e alimentado por uma dramaturgia responsável por dar liga a toda essa loucura, Anderson faz de Resident Evil 6 um trabalho de ambições curiosas mas que nunca abandona a identidade formada por ele para a franquia, ditando pelo movimento relações singelas entre o perfeito e o imperfeito dentro do combate final entre Alice e a corporação Umbrella.
23) A Trama
Quase dez anos depois de ganhar Cannes com seu Entre os Muros da Escola, Laurent Cantet retorna uma vez mais aos seus grupos de jovens com A Trama, filme que também traz em suas estranhas alguns reflexos dos rumos políticos da França de hoje. Mas ainda que o palco esteja armado para um confronto de posições entre uma professora liberal e um aluno seduzido por movimentos ultra-conservadores no meio de um workshop, o longa evita o caminho fácil da alegorização de seus tempos; o interesse maior de Cantet está no descompasso geracional entre seus personagens, que aos poucos se assume como um diagnóstico subentendido desta crise ideológica vivida pelo país. É um estudo difícil, mas que rende discussões fascinantes ao diretor e seu público.
Depois de adentrar pela fragilidade da imortalidade em 2014 com Amantes Eternos, o "papa" do cinema independente estadunidense Jim Jarmusch volta seus olhos ao ordinário com Paterson. Quase uma elegia ao homem comum, o longa protagonizado por Adam Driver é outro trabalho do diretor que está em busca de signos capazes de curar as feridas da sociedade norte-americana nesses anos posteriores à crise de 2008, encontrando-os agora nos pequenos hábitos e rotinas a serem eternizados pelas delicadas palavras de seu protagonista, um motorista de ônibus que é também poeta. Dotado de certo aspecto onírico, Paterson é sincero em seu otimismo acerca da superação dos pecados americanos.
21) Logan Lucky - Roubo em Família
Outro cineasta que resolveu ir atrás de soluções ao sentimento pós-crise dos Estados Unidos (e que curiosamente também contou com a ajuda de Adam Driver) foi Steven Soderbergh, de volta ao cinema depois de uma breve aposentadoria. Mas se Paterson busca a cura na rotina, Logan Lucky vai de fininho se aliar aos laços comunitários enquanto se faz como (e é) um dos trabalhos mais despretensiosos de seu diretor. Dentro desta lógica de desambição, porém, Soderbergh encontra uma purgação de pessimismo na simpatia que desperta com e entre seus personagens, incluindo aí a belíssima cena do concurso de talentos do colégio com a filha do personagem de Channing Tatum cantando John Denver, esse ícone americano que frequentou o cinema assiduamente em 2017.
20) Personal Shopper
Misto de suspense de perseguição com drama de luto, o novo filme de Olivier Assayas é no mínimo estranho em suas pretensões. Capitaneado por uma forte atuação de Kristen Stewart, a produção é uma salada de narrativas que muitas vezes soa como um mero exercício de intercalação de gêneros inusitado, mas é por meio das idas e vindas entre o sobrenatural e a realidade que o longa aos poucos vai estabelecendo relações de sofrimento que se complementam, paralelos entre as duas histórias contadas que no fim se revelam assustadoramente muito similares em suas particularidades. Personal Shopper é mais um desses filmes recentes que tratam das feridas do emocional como impossíveis de serem superadas, mas é a maneira como ele processa a dor tradicional a este tipo de obra que chama tanto a atenção para si.
19) Divinas Divas
Da safra de documentários que passaram este ano pelos cinemas brasileiros e se mostraram dispostos a realizar o seu próprio retrato singelo de um grupo muito específico, o Divinas Divas de Leandra Leal foi talvez aquele que tenha sido mais certeiro. E isso não ocorre apenas por conta da grande simpatia de suas personagens, parte da primeira geração de artistas travestis do país: ligada de maneira íntima à história dessas pessoas graças ao avô, que comandava um dos teatros onde essas atrizes tinham a possibilidade de trabalhar, Leal realiza um trabalho de intimidades muito difícil, colocando o seu espectador em contato frontal com suas entrevistadas ao mesmo tempo que evita qualquer tipo de auto-congratulação (para não dizer puxação de saco) sobre sua família. Dotado de uma ternura estimulante, o filme faz do seu palco uma homenagem sincera a essas artistas, donas de uma trajetória única dentro da narrativa de nosso próprio país.
Há décadas em planejamento, a adaptação do livro de Shusaku Endo pelas mãos de Martin Scorsese enfim chegou às telonas em 2017 e entregou toda a potência que prometia. Invertendo o direcionamento da obra literária (se lá era a temática da religião que impulsionava uma análise do contexto histórico, aqui é o contrário), o celebrado cineasta realiza mais um de suas produções sobre as instabilidades da fé, se alimentando das dúvidas de seu protagonista que entra numa verdadeira espiral de sofrimento capaz de fazê-lo questionar suas convicções. Mas se em outros trabalhos similares do diretor mirava-se uma reafirmação de valores, em Silêncio Scorsese se rende à indeterminação como moral final, uma atitude que potencializa seu cinema a novas alturas.
A princípio uma grande homenagem ao gênero do musical e uma carta de amor asséptica a Los Angeles, o suave La La Land - Cantando Estações a bem da verdade funciona pela reafirmação de antigos valores que realiza em um cenário contemporâneo. Em meio ao seu desfile de cores e danças, o filme de Damien Chazelle parece ressuscitar o antigo sonho americano dentro da lógica individualista e extremamente egoísta dos tempos atuais, uma atitude que se por um lado gerou todo tipo de posicionamento de seu público (um efeito responsável por tirar o Oscar de Melhor Filme de suas mãos nos segundos finais do segundo tempo) também reflete as contradições por trás das consequências da busca pelo sucesso. É de angústias e questões mal resolvidas, inclusive, que o número final do filme se baseia, executado sob uma forma onírica destinada a se dissipar em um último gesto de adeus.
16) Mulheres do Século 20
Mulheres do Século 20 é um literal estudo dos choques geracionais, uma literalidade presente até na definição "literal" com sua bibliografia adjacente que pulsa na tela em determinados momentos. Ainda que o protagonista seja um garoto, o verdadeiro interesse do diretor Mike Mills está no contato das diferentes mulheres em torno deste homem, uma atitude que parece desvendar a mitologia do feminino que suporta o masculino mas no fundo revela as transformações de um século pela perspectiva delas. Annette Bening, Greta Gerwig e Elle Fanning estão fantásticas e as cenas de conflito ditadas por elas rendem momentos dignos do sublime - em especial a maravilhosa cena do jantar e o "menstruação".
15) Uma Mulher Fantástica
Novo produto de um certo realismo mágico do cinema latino-americano, o Uma Mulher Fantástica de Sebastián Lelio aposta no poder da metáfora para construir uma história de opressão por pequenos atos. É da história de luto e enfrentamento da transexual Marina (Daniela Vega, em atuação espetacular) que o cineasta chileno constrói as mais belas cenas alegóricas, num esforço de transmissão de dor ao seu espectador que passa por todo tipo de crise de identidade e do eu que acomete sua protagonista. Ainda que exista nessa metodologia um inchaço subsequente, Lelio mostra-se muito consciente das consequências de suas ações e as utiliza a seu próprio favor, uma medida que só potencializa o lado sensorial - e, portanto, a beleza - de sua obra.
Se o Columbus de Kogonada foi o filme de 2017 que mais diretamente aludiu ao cinema de Yasujirô Ozu, Melhores Amigos foi aquele que soube melhor do que ninguém como incorporar os valores intimistas do mestre japonês a sua narrativa. A pequena produção de Ira Sachs realiza um estudo duro sobre o desfazimento de relações comunitárias sob a sombra do pós-crise, mas o faz dentro de uma lógica intimista e familiar que mergulha o espectador dentro da história e o torna senciente de todos os efeitos doloridos sentidos por seus personagens ao longo da narrativa. É uma desconstrução de valores bela, ainda que dominada pelo sabor amargo.
13) Detroit em Rebelião
A América do Medo. Kathryn Bigelow seguiu sua fase de filmes sociais em 2017 com uma reencenação visceral e beirando ao exploitation da tragédia no hotel Algiers durante as revoltas de Detroit de 1967. A câmera da diretora não se interessa pela violência, porém, para entender o sofrimento das vítimas de racismo envolvidas no processo, mas sim para tratar das forças policiais que cercam e ditam os rumos daquela noite do mesmo jeito que o fazem nos dias de hoje. Da caracterização dos oficiais como verdadeiras crianças à atuação memorável de Will Poulter (quem diria?), Detroit em Rebelião é um filme de estrutura de cálice que não hesita em se debruçar sobre a brutalidade policial, aproveitando-se da claustrofobia intrínseca do cenário da tragédia que captura para tornar palpável o verdadeiro mal por trás dessas situações. E tudo se resume ao terror no olhar do personagem de Algee Smith conforme ele conversa com o padre sobre encontrar o refúgio final contra todo o seu enlouquecimento.
12) Okja
Um dos filmes que causou polêmica no Festival de Cannes deste ano, Okja é mais uma fábula de Bong Joon-ho que combina horror e conto infantil de forma natural. Mas ainda que a produção tenha chamado a atenção do público sobre sua mensagem contra a violência feitas aos animais na indústria dos alimentos, o filme traz emoções palpáveis na narrativa tocante que faz em cima do que é basicamente uma história de perda da inocência. É um lado da trama a ser percebido nos pequenos atos de ingenuidade como a perseguição no shopping ou o ato final da pequena garota protagonista interpretada por Ahn Seo-hyun para evitar que o rebelde de Paul Dano machuque seu animal de estimação no desfile, cenas que sem dúvida servem de grandes ápices para uma produção pautada pelo gesto dramático.
11) Star Wars - Os Últimos Jedi
O oitavo capítulo da saga Star Wars dividiu o público por suas decisões ousadas em relação à narrativa clássica da série, mas é justo por essa abordagem do eterno confronto maniqueísta da história que Os Últimos Jedi se destaca. Rian Johnson coloca em xeque na trama o posicionamento de diversos personagens, mas faz isso para ao final reforçar os pólos de bem e mal e evidenciar o quão impossível é a resolução de qualquer conciliação entre os dois lados, uma atitude que não só traz paralelos com a realidade atual (é uma problematização da polarização que não destitui a validade das posições) mas que reforça o signo de rebeldia que é vital à franquia desde Uma Nova Esperança. O episódio oito se destaca também por seu terceiro ato como um todo: todos os grandes momentos se enfileiram para entregar uma experiência de espetáculo visual digna das grandes audiências que Star Wars agremia, capaz de superar inclusive os problemas do inchaço narrativo que circundam a estrutura do longa. É uma obra tão sobrenatural quanto os caminhos da Força.
10) Na Praia à Noite Sozinha
Hong Sang-soo continua realizando filmes sobre a farsa por trás da reputação intocável dos grandes autores, mas em Na Praia à Noite Sozinha essa narrativa é levada ao limite. O diretor sul-coreano faz aqui uma obra de cunho metalinguístico, implodindo a sua própria figura enquanto filma a personagem de Kim Min-hee (sua namorada atualmente) sofrendo os efeitos de uma relação que ela teve com um cineasta. O humor de Na Praia à Noite Sozinha é ácido e mira a garganta, não deixando sobreviventes enquanto realiza cenas e cenas de longos embates entres seus personagens à partir dos zooms característicos de Sang-soo, que mantém um olhar pérfido sobre o próprio eu.
9) Bom Comportamento
Os irmãos Benny e Josh Safdie tomaram o ano de assalto com este thriller protagonizado por Robert Pattinson, cujas inspirações bebem principalmente da urgência do cinema de Sidney Lumet e Walter Hill. Situado em cenários dominados pelas classes pobres da sociedade estadunidense, o longa coloca em questão o privilégio branco dentro de uma estrutura pautada pela adrenalina do momento, da correria desenfreada de seus personagens atrás de suas libertações da autoridade. Pattinson entrega uma de suas maiores atuações até o momento, praticamente se tornando um camaleão perante a estética "suja" da câmera dos Safdie, se transformando a cada ambiente e ferrando quem precisar para alcançar os seus (pequenos) objetivos.
Se o objetivo era derrubar no chão o emocional do público, Kenneth Lonergan sem dúvida alcançou a meta com seu Manchester à Beira-Mar. Pautada pelo arrependimento e a dor, o longa trabalha o drama de situações que já aconteceram há muito tempo, mas que se recusam a deixar o semblante de seus personagens, reunidos em torno de uma tragédia que destruiu as suas fundações familiares. Casey Affleck se torna neste contexto uma espécie de anjo da morte, um espírito condenado ao sofrimento pelo resto dos seus dias que habita os locais como um gigantesca penumbra, mas a cena que marca o filme a ferro em brasa é, claro, o desabafo da personagem de Michelle Williams para este seu ex-marido.
Passou despercebido pelo circuito (e se não fosse a indicação ao Oscar não teria chegado mesmo), mas Aliados é talvez o maior trabalho de Robert Zemeckis nos últimos anos. O diretor enfim encontra um veículo capaz de acomodar suas relações entre efeitos visuais digitais com a dramaturgia, trabalhando este romance entre espiões sob o aspecto da dubiedade do olhar e confundindo seu espectador sobre o que é real ou não nesta narrativa. Contando com um Brad Pitt com trejeitos de Humphrey Bogart e uma Marion Cotillard disposta a assumir o tom duvidoso da trama a sua personagem, o longa trafega entre o romance e o suspense com habilidade e se utiliza muito bem do digital como elemento cênico, tudo isso consagrado na belíssima cena da tempestade de areia.
Outro filme que soube utilizar o visual de elemento dramatúrgico como ninguém foi a explosiva continuação de De Volta ao Jogo. Pautado cena após cena pela ação, John Wick - Um Novo Dia Para Matar praticamente se faz como balé de tiros e socos enquanto vai desestabilizando os seus espaços de encenação, transformando a cidade num gigantesco lar de assassinos destinado ao descontrole. O clímax na exposição de espelhos do museu é daquelas sequências de ação tão memoráveis quanto a performance física de Keanu Reeves, o bailarino principal deste espetáculo circense cuja missão de vida parece ser a de provar ao seu espectador o quão frágil é a estrutura do palco onde atua.
É difícil imaginar nos dias de hoje um debute na direção tão certeiro quanto o de Jordan Peele. O comediante combina humor e horror de maneira sublime num filme que se propõe a uma inversão de perspectiva pautada tanto pelo objetivo (o negro que vai visitar a família da namorada branca) quanto subjetivo. Corra! é um exercício fabuloso de tensão aliviado pelo terror e a comédia, um que não hesita em colocar o dedo na ferida e mergulhar seu espectador em uma espiral de temor pela própria segurança e fazê-lo entender de uma vez por todas o quão particular é o drama de ser negro num país que nunca conseguiu se livrar por completo do racismo. Como bem prova o crescimento da produção na corrida pelo Oscar, este é um filme que nasce grande e cresce ainda mais com o tempo.
Outro grande diagnóstico dos Estados Unidos de hoje feito sob a chave da aparente despretensão do filme de gênero foi o A Qualquer Custo de David Mackenzie. Se Detroit em Rebelião e Corra! trabalham sumariamente com uma América do Medo, o roteiro de Taylor Sheridan aborda a América do Ódio, uma que despreza o próximo na mesma intensidade que se preocupa só com a segurança de si mesmo. A história de dois irmãos que roubam do sistema para se salvar dele é um faroeste de cenários representativos deste estado atual do país, sendo capaz de colocar os filhos do branco colonizador e do índio para discutir o país que herdaram de forma direta e franca. É desde já um dos grandes trabalhos cinematográficos destinados a compreender este clima de disparidades, esta raiva interior que vem ditando os rumos do país nos últimos anos.
Dos filmes incontornáveis de 2017, Martírio é aquele que é mais significativo para o brasileiro, tanto como cinema quanto debate político-social. O longo documentário de Vincent Carelli sobre a luta das tribos Guarani-Kaiowá para sobreviver é daquelas produções cinematográficas feitas para traumatizar, algo alcançado na grande investigação histórica que seu diretor realiza sobre a opressão do índio no país e também no relato do próprio cineasta sobre os eventos que testemunhou e gravou com essas organizações. Não existe espaço para reconciliações aqui, apenas a luta pela salvação de uma população que já sofreu demais nas mãos da sociedade, do governo e das organizações privadas. Do cinema político, Martírio é a contribuição maior do ano que passou.
2) Z - A Cidade Perdida
James Gray retornou às telonas em 2017 com mais um gigantesco conto cinematográfico de alicerces clássicos. Depois de reencenar a grande saga americana em Era Uma Vez em Nova York, o diretor faz de Z - A Cidade Perdida a sua épica narrativa do descobridor, um retrato sublime da busca eterna do ser humano pelo desconhecido à partir da história real de Percy Fawcett. Gray transforma o explorador aqui na metáfora essencial de sua narrativa, que dá conta de escancarar ao espectador o incômodo inscrito no acomodamento e a paixão subentendida pela descoberta de novos caminhos. Se Z é um filme que ignora por completo a questão da colonização, é porque lhe interessa mais a compreeensão final do que basta à figura protagonista destas histórias, um sentimento sacramentado no final apoteótico em sua serenidade, deslumbramento e - acima de tudo - paz interior.
Mas um filme conseguiu ir além disso.
Não são muitos os motivos que levam Toni Erdmann a ser o grande filme de 2017, mas esses poucos alicerces são poderosos demais para se deixar passar desapercebido a produção. Porque mesmo que o novo trabalho de Maren Ade seja pautado em cima de questões muito particulares da realidade europeia (ao qual ele se encontra muito disposto a desestabilizar pelo humor), esse confronto filmado pela diretora está muito inscrito na realidade do mundo de hoje: o descompasso europeu entre a herança ideológica do continente e a frieza calculista de sua postura com os assuntos mais delicados não deixa de emular o que é visto todos os dias nos outros cantos do planeta, uma decrepitude de relações que inevitavelmente atinge os espaços habitados.
Resta então ao filme e seu protagonista de mesmo nome cumprir esta difícil missão de reconciliação, uma que se assume na produção como o reencontro emocional de pai e filha mas que em outros cenários poderia ser qualquer outra relação de amizade ou familiar (e fica aí a dica para o remake americano). Este processo de cura, de purgação dos pecados responsáveis pelas fraturas emocionais no fundo traz à tona este eterno combate do humano imperfeito contra a máquina que não erra, algo que talvez só o vexame gerado pelo humor pode servir de solução final para nossa vitória enquanto comunidade. E Ade segue essa narrativa à risca em Toni Erdmann, encontrando em cada gesto de humanidade (incluindo o da foto acima) um grande triunfo do emocional.
É um filme gigante, de fato.
Ranking final
A seguir, o ranking de cinema de 2017 do O Nerd Contra-Ataca:
